PERDIDOS EN LA NOCHE

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

Este lunes 4 de mayo la OCIC tiene en cartelera “Perdidos en la noche”, película dirigida por el británico John Schlesinger, protagonizada por Dustin Hoffman y Jon Voight, ganadora de 3 Óscar en las categorías de: Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion Adaptado, el año 1970.

El director

John Schlesinger

John Richard Schlesinger (1926 - 2003), a principios de los 50 inicia su carrera como actor de teatro, pasando luego al cine y la televisión. A mediados de los 50 como cineasta realiza documentales para la BBC-Tv. Entre su filmografía destacan: “Terminus” (1961) documental con el que gana el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia, “A kind of loving” (1962) ficción con la que obtiene el Oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín y “Darling” (1965) con la que gana 3 premios Óscar.

La película

“Perdidos en la noche”, de manera realista retrata la amistad y solidaridad de dos jóvenes pertenecientes a la clase baja estadounidense. El filme reflexiona sobre el sueño americano, con una historia de optimismo ingenuo que choca con la dura realidad. La película aborda además otros temas presentes en la sociedad norteamericana de fines de los 60: homosexualidad, drogas y prostitución.

Jon Voight y Dustin Hoffman

Desde un pequeño pueblo de Texas, llega a Nueva York el cándido Joe Buck, que con su toque de joven vaquero irresistible, sueña con hacer fortuna como gigoló. Pronto descubre que las cosas no son fáciles y que carece de habilidad para sobrevivir en la gran ciudad, áspera y sombría. Entonces conoce a Ratso, un estafador astuto, con una pierna lisiada, nacido en el Bronx, que sueña con ir a vivir a Miami Beach. Estos dos parias comparten su soledad formando una entrañable amistad para protegerse mutuamente y subsistir a la miseria y al duro invierno de Nueva York.  

Voight, Schlesinger y Hoffman, durante el rodaje

Esta producción norteamericana, es una adaptación de la novela “Midnight cowboy” de James Leo Herlihy (1965), que fue rodada el año 1968 en Texas, Nueva York, Florida y Nueva Jersey. Forma parte de la banda sonora la canción “Everybody´s talking”, compuesta por Fred Neil e interpretada por Harry Nilsson.

La proyección y posterior debate se realizarán a partir de las 19:00, en el auditorio del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110.

MI SOCIO

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

Continúa el segundo ciclo de cine-debate de la OCIC con “Mi socio”, la primer road movie hecha en Bolivia, dirigida por Paolo Agazzi y protagonizada por David Santalla.

El director

Paolo Agazzi

Paolo Agazzi Sacchini (Italia, 1946), estudia cine en Milán. El año 1976 se integra a la Empresa Ukamau. Posteriormente dirige el Taller de Cine de la UMSA y el Taller de Cine Ukamau. En la actualidad está a cargo de la productora audiovisual “Pegaso”. Entre la filmografía de Agazzi destacan: “Mi socio” (1982), “Los hermanos Cartagena” (1985), “El día en que murió el silencio” (1997) y “El atraco” (2004).

La película

David Santalla y Gerardo Suárez protagonistas del filme

“Mi socio”, trata sobre el proceso de construcción de una amistad, entre un chofer de camión (Colla) y su ayudante, un adolescente casi niño (Camba). El filme, mediante el humor intenta una integración entre collas y cambas. Los personajes gracias a la amistad olvidan sus diferencias socioculturales, rompiendo la desunión entre occidente y oriente.

El viaje en el camión en el que se teje la relación entre los personajes comienza en el llano de Santa Cruz, pasa por el valle de Cochabamba y concluye en el altiplano de La Paz. En este recorrido por el país se muestran hermosos paisajes, algo del folklore nacional y las distintas dificultades que el camionero y su ayudante deben sortear.

El director del filme señala: “Desde mi punto de vista, ‘Mi Socio’ no es una película cómica. Sin embargo, la observación de la realidad le da la importancia social a esta película. Además creo que ayuda que yo tenía una visión diferente del país: aún con dictaduras, lo duro ya se estaba diluyendo. Hay dos visiones del país en la película: una muy profunda, que es la de Oscar Soria, que tenía una gran sensibilidad social; y esa otra visión, la mía, que todavía conservaba el encanto o la inocencia de descubrir otras cosas.”

El equipo de rodaje

La idea de hacer este filme fue de Oscar Soria, quien además aglutinó al equipo de rodaje y comandó este proyecto. Según Agazzi, la cinta no fue bien recibida por la crítica, pero se ha convertido en un clásico del cine nacional por el gran apoyo del público.

La exhibición de este filme cuenta con la autorización expresa del director. La cita es en instalaciones del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110, a partir de las 19:00.

LA LEY DE HERODES

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

Este lunes 20 de abril la OCIC exhibe “La ley de Herodes”, tragicomedia mexicana dirigida, escrita, producida y editada por Luis Estrada, ganadora de 9 premios Ariel y premiada como Mejor Película Latinoamericana en el Festival de Cine de Sundance (2000).

Cuando “La ley de Herodes” intentó estrenarse en México en 1999, el gobernante Partido Revolucionario Institucional (PRI) trató de impedirlo, no lo consiguió. Al año siguiente el opositor Partido Acción Nacional (PAN) ganó las elecciones presidenciales. Algunos dicen que esta película contribuyó a poner fin a setenta y un años ininterrumpidos de gobierno del PRI.

Luis Estrada Director de la película

“La ley de Herodes” (1999) es parte de un ciclo de cuatro películas conformadas por: “Un mundo maravilloso” (2006), “El infierno” (2010) y “La dictadura perfecta” (2014), que han posicionado a Luis Estrada como uno de los cineastas más incisivos en la crítica social y política de México.

En “La ley de Herodes” Estrada retrata con humor e ironía el sistema político, del PRI, los partidos de oposición e instituciones que son parte de la casta dirigente de su país.

Damián Alcázar interpreta a Juan Vargas

La película intenta reflejar la omnipotencia de los políticos, abordando temas como: la corrupción, la impunidad, el autoritarismo y la violencia.

“La ley de Herodes” se sitúa a fines de los años cuarenta (durante la presidencia de Miguel Alemán), en un pueblito (ficticio) olvidado, lejano y pobre, centrándose en el alcalde priísta Juan Vargas, quien inicialmente cree que como funcionario público puede mejorar la mala situación del pueblo.

Fotograma del filme

Pero, sin presupuesto, ni condiciones (sólo le entregan una pistola y la Constitución), acaba sometiéndose a las reglas del juego institucional. El poder de Vargas va creciendo y se convierte en un déspota, dispuesto a extorsionar o matar para conseguir el mayor beneficio posible.

El filme inicia y concluye de la misma manera, mostrando que los mexicanos (aparentemente) están condenados a repetir su historia una y otra vez.

“La ley de Herodes” se rodó en Puebla y Ciudad de México, con un presupuesto de un millón cuatrocientos mil dólares. La película contiene varios homenajes a la cinta “Sombras del mal” (1958) de Orson Welles.

Como es habitual la cita es en el Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110, a partir de las 19:00.

LA INFANCIA DE IVÁN

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

Nuestro aniversario número 22 lo celebramos junto a Andrei Tarkovsky y su película “La infancia de Iván”.

Con sólo siete obras en su filmografía, entre ellas: Solaris (1972), Stalker (1979), Nostalgia (1983) y Sacrificio (1986), Tarkovsky es considerado por los expertos uno de los cineasta europeos más importantes del siglo XX.

Andrei Tarkovsky (1962)

“La infancia de Iván” su opera prima, se estrena cuando Tarkovsky tenía 29 años. El filme obtiene El León de Oro en el Festival de Cine de Venecia dejando en el camino a Kubrick, Pasolini, Godard y Polanski.

La película ocurre durante la Segunda Guerra Mundial y trata sobre Iván, un niño de doce años, espía-explorador del ejército soviético, que se infiltra en las líneas enemigas para recabar información realizando peligrosas misiones impropias para un chico de su edad. Tras sufrir la tragedia de la pérdida de su madre y su hermana, ejecutadas por las fuerzas de ocupación alemanas, este niño endurecido por la guerra se ha convertido en un hombre que busca venganza, sus fuertes convicciones asustan incluso a sus superiores.

Tarkovsky, durante el rodaje de la película

Tarkovsky recurre al uso de sueños y un complejo sistema de símbolos e imágenes para explorar los horrores de la guerra a través de las personas que más sufren en ella.

A lo largo del filme se presentan cuatro secuencias de sueños que permiten al espectador tener acceso al mundo interno de Iván y ver quien era antes de la guerra. Cuando despierta al mundo externo y real hay un ambiente totalmente diferente: el mundo sombrío contrasta con su mundo onírico luminoso. De ese modo comprendemos el impacto de la guerra en la transformación de Iván.

Nikolai Burljaiev interpreta a Iván

Rodado en blanco y negro, la fotografía del filme destaca por su gran belleza con claroscuros cercanos al expresionismo alemán, creando una atmósfera de devastación y desolación.

Ingmar Bergman refiriéndose a “La infancia de Iván”, afirma: “Es un verdadero milagro. Me sentí conmovido cuando descubrí que todo lo que yo siempre quería contar, pero que no sabía cómo expresarlo, estaba en esta película”.

La exhibición y posterior discusión sobre el filme se realizarán el lunes 13 de abril, en el auditorio de la OCIC, Baptista Nº 110 esquina Heroínas. La función se inicia a las 19:00.

EL EVANGELIO SEGÚN SAN MATEO

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

El Cine Club “Lunes de película” tiene en cartelera “El evangelio según San Mateo”, un filme épico-lírico sobre la vida de Jesús de Nazaret, dirigido por Pier Paolo Pasolini, nominado a 3 Óscar, ganador del Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia y del Gran Premio de la Oficina Católica Internacional de Cine.

“El evangelio según San Mateo” (1964), es una adaptación cinematográfica de las escrituras bíblicas, que guarda fidelidad literal con el relato de Mateo, por su contundente sentido social y poético. Pasolini señala: “Mateo es el más revolucionario de los evangelistas, porque es el más ‘realista’, el más próximo a la realidad terrestre del mundo donde Cristo apareció.”

La película hace un recorrido por la vida de Jesucristo desde su concepción, pasando por su etapa profética, su muerte en la cruz, hasta su nuevo comienzo.

Jesús y sus seguidores (fotograma del filme)

El Jesús de Pasolini es un líder, de personalidad fuerte, portavoz de un mensaje importante, convencido de la gran responsabilidad que carga sobre sí, enviado por Dios con el fin de desbaratar las estructuras de poder y crear un nuevo orden social donde todos sean iguales. Pasolini explica: “Me interesa el extremismo de Jesús, su radicalismo total y absoluto. Jesús perdona fácilmente los pecados individuales pero es intransigente con los pecados sociales.”

Rodado en blanco y negro con una técnica cercana al documental, recurriendo a la cámara en mano y a actores no profesionales, con abundantes primeros planos frontales para poner en relieve la expresividad de los personajes o darles sacralidad, con un estilo brusco y directo, utilizando constantemente la elipsis, con paneos descriptivos que subrayan la aridez del paisaje, la película de Pasolini, se despoja de efectos artificiales y se aleja del retrato que Hollywood y sus costosas producciones han hecho del Mesías.

Enrique Irazoqui (Jesús) y Pier Paolo Pasolini, durante el rodaje del filme

La fotografía, el vestuario y la escenografía del filme tienen como fuentes de inspiración las pinturas de El Greco, Caravaggio y Piero della Francesca, entre otros, tratando de aplicar lo que Pasolini llamaba “realismo popular”. La música a cargo de Luis Enríquez Bacalov, incluyen fragmentos de Bach, Mozart y Prokofiev.

La cita es en instalaciones de la OCIC, Baptista Nº 110, a partir de las 19:00.