EL LOCO DEL PELO ROJO

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

El cuarto ciclo de cine-debate cierra con “El loco del pelo rojo”, un filme dirigido por Vicente Minnelli, sobre el pintor holandés Vincent Van Gogh, hombre de extraordinario talento, sensible y apasionado en sus convicciones, enfrentado a su entorno.

Vincent Willem Van Gogh (1853-1890)

La película intenta mostrar el conflicto interior del artista y sus dificultades en sus relaciones sociales. Comparte la idea popular sobre Vincent Van Gogh, el genial pintor fracasado, que sólo había vendido una pintura durante su corta y trágica vida; el artista que obsesionado por la pintura y atormentado emocionalmente, ahuyenta a mujeres, amigos y familiares.

“El loco del pelo rojo” (Lust for life, título original del filme que traducido al español, fuera algo así como Anhelo de vivir), narra la vida de Vincent, desde sus primeros años como misionero en el pueblo minero de Borinage (Bélgica), sus contactos con el impresionismo en París, hasta su muerte en Auvers-sur-Oise.

Van Gogh en Arles

Las escenas rodadas en exteriores fueron realizadas en los lugares reales (Holanda, Bélgica y Francia) donde Van Gogh residió y trabajó. Desde las escenas sombrías de sus primeros años entre el carbón hasta los paisajes claros y llenos de luz de Arles.

El filme es narrado cronológicamente articulando la vida y obra de Van Gogh en cinco capítulos y reflejando con ello los cambios en el estilo de su pintura. Cada parte muestra sus principales obras y segmenta un tema de color: marrón y gris en el Borinage; verde oscuro en Holanda; rojos y azules en París; amarillos y verdes en el sur de Francia; y diversidad de colores en Auvers.

Kirk Douglas  (Vincent Van Gogh) y Antony Quinn (Paul Gauguin)

El guion escrito por Norman Corwin, se basa en 3 fuentes: la biografía novelada “Lust for life” de Irving Stone (1934), las cartas de Vincent a su hermano Théo y el diario de Paul Gauguin, correspondiente al tiempo que pasó con Vincent en Arles. Los temas planteados en el filme y las emociones del pintor (romance, dolor, satisfacción, inercia, convulsiones) son acentuados por la música de Miklós Rózsa.

Este drama biográfico estrenado el año 1956 contó con las actuaciones de Kirk Douglas y Anthony Quinn. El filme obtuvo un Oscar de la academia de Hollywood.

La proyección se realizará este lunes 29 de diciembre, en el auditorio de la OCIC, Baptista Nº 110, a partir de las 19:00.

BELLA DE DÍA

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

La OCIC presenta “Bella de día”, de Luis Buñuel, una película que, en palabras de su autor, es “eróticamente casta”.

Los esposos Pierre y Séverine

En París, el joven médico Pierre y su encantadora esposa Séverine, acaban de cumplir un año de matrimonio aparentemente feliz. Ella es frígida, a consecuencia de un posible trauma de infancia: sumergida en el tedio, ésta ama de casa, burguesa y refinada, encuentra su liberación erótica a través de fantasías y trabajando en un burdel. Sus deseos más íntimos parecen cumplirse en el local dirigido por Madame Anaïs, que la bautiza como: “Belle de jour” (en referencia a su horario de trabajo, de 2 a 5 por la tarde). Severine es elegante, impecable en su peinado y ropa -Yves Saint Laurent diseñó el vestuario-. Sin embargo, lo que esta diosa aparentemente intocable, hermética y distante más desea es la brutalidad que ejercen los clientes del burdel, que la humillan, maltratan y ostentan su autoridad sobre ella.

Catherine Deneuve, es "Belle de jour"

La doble vida de la protagonista, está delimitada: en el entorno familiar (actúa como Séverine), y en el burdel (como Belle de jour); una identidad disociada.

En 1966, Buñuel adapta la novela Belle de Jour, de Joseph Kessel. El cineasta español le añade al relato algunas de las ensoñaciones diurnas de Séverine, que permiten precisar el retrato de una joven burguesa masoquista. La narración transcurre en cuatro planos: ensoñaciones, recuerdos de infancia, vida matrimonial y escapadas al burdel.

Catherine Deneuve y Luis Buñuel (1966)

El montaje mezcla indiscriminadamente la realidad con las fantasías e impulsos morbosos que vivencia la protagonista, al punto que el espectador no sabe si lo que está pasando pertenece al mundo objetivo o al subjetivo de la mujer. Como pista, el sonido de cascabeles o campanilleo, indicarán al espectador si son escenas de sueños o fantasías de Séverine.

“Bella de día” es una coproducción franco-italiana, que contó con la colaboración de Jean-Claude Carrière en el guion; Sacha Vierny en fotografía; Louisette Hautecoeur en montaje, además de las actuaciones de: Catherine Deneuve y Jean Sorel. El filme obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia.

La proyección y posterior debate se realizarán este lunes 22 de diciembre, en instalaciones del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110, a partir de las 19:00.

LA CAZA

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

El cuarto ciclo de cine-debate de la OCIC continúa este lunes 15 de diiciembre con, “La caza”, una película franco-alemana, con participación boliviana, escrita y dirigida por el francés Laurent Jaoui, sobre los cazadores de nazis Serge y Beate Klarsfeld, que persiguieron al criminal de guerra nazi Klaus Barbie, instalado en Bolivia como asesor de gobiernos dictatoriales bajo la falsa identidad de Klaus Altman Hansen.

El personaje

Klaus Barbie, instalado en Bolivia como asesor de gobiernos dictatoriales

Klaus Barbie, conocido como “El carnicero de Lión”, al terminar la II Guerra Mundial, en 1947, fue reclutado por el servicio secreto militar estadounidense (CIC). 

Según las investigaciones de la periodista Gaby Weber y el historiador Peter Hammerschmidt, el ex miembro de las SS y de la policía secreta del Estado nazi (Gestapo), había sido agente de la CIA, ayudando a construir estructuras anticomunistas y grupos paramilitares en Bolivia y otros países suramericanos. En 1951, los servicios estadounidenses otorgaron a Barbie una identidad falsa y le ayudaron a huir a Sudamérica. En Bolivia “El carnicero de Lión”, colaboró estrechamente con las dictaduras de René Barrientos Ortuño, Hugo Banzer Suárez y Luis García Meza. En 1983 Barbie fue deportado por el gobierno de Hernán Siles Zuazo a Francia, donde fue juzgado y condenado a cadena perpetua por crímenes contra la humanidad.

El filme

Estrenada el año 2008, “La caza” es un telefilme basado en los relatos de los esposos Klarsfeld  y en el libro “Barbie, criminal hasta el fin”, escrito por el ex ministro del Interior del gobierno de Hernán Siles Zuazo, Gustavo Sánchez Salazar, quien tuvo una participación decisiva en la deportación de Barbie a Francia. La película narra las dificultades que los cazadores de nazis deben afrontar persiguiendo al genocida por 12 años. Su investigación los conduce a Bolivia donde Klaus Barbie goza de protección de los gobiernos militares.

Franka Potente, durante el rodaje del filme

Rodada en Francia, Bolivia y Argentina, la película contó con las actuaciones de: Franka Potente, Yvan Attal y Hanns Zischler, en los roles protagónicos, además de la participación de técnicos, actores y extras bolivianos.

La cita es en instalaciones del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110 esquina Heroínas. La función se inicia a las 19:00.

HOFFA

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

Este lunes 8 de diciembre la OCIC exhibe “Hoffa”, un filme biográfico, sobre el líder del poderoso sindicato de los camioneros norteamericanos James Hoffa. La película fue dirigida por Danny DeVito y protagonizada por Jack Nicholson.

El personaje

James Riddle Hoffa, nació en Indiana en 1913. Con sólo 20 años de edad organizó su primera huelga y luego ascendió rápidamente por las filas del sindicato que agrupaba a los conductores de camiones. En los primeros y violentos tiempos de ese sindicalismo, estableció vínculos con el crimen organizado.

James Riddle Hoffa

En la década de 1950 Hoffa se convirtió en presidente de la Fraternidad Internacional de Camioneros, con la ayuda de la mafia. A inicios de los años sesenta, cuando el Fiscal General Robert Kennedy, empezó su cruzada contra el crimen organizado, Hoffa fue uno de sus blancos. En 1967, Hoffa fue encontrado culpable de soborno y condenado a quince años de prisión, pero después de haber pasado cuatro años encerrado, el presidente Nixon conmutó su pena con la condición de que debería abstenerse de volver a realizar actividades sindicales. Hoffa, sin embargo, planeaba su regreso cuando desapareció el 30 de julio de 1975. Su muerte sigue siendo un misterio hasta el día de hoy.

El filme

Jack Nicholson interpreta a Hoffa

“Hoffa”, narra el ascenso y caída del sindicalista camionero Jimmy Hoffa. La historia comienza a mediados de la década de 1970, en la víspera de su desaparición y mediante una serie de flashbacks hace un recorrido que abarca: los esfuerzos iniciales de Hoffa por sindicalizar a los chóferes durante la Gran Depresión en Estados Unidos, su dirección en el sindicato, su lucha contra la familia Kennedy y su misteriosa desaparición.

DeVito Director y co-protagonista del filme junto a Nicholson

Hoffa es retratado como un hombre de agallas que obtiene buenos resultados para su sector, mezclándose con el crimen organizado y transando con los políticos de turno.

“Hoffa”, es una película de época, con importantes efectos visuales y miles de extras. Esta producción norteamericana del año 1992, contó con un presupuesto de 50 millones de dólares y obtuvo dos nominaciones a los Premios Oscar por Cinematografía y Maquillaje, y una nominación al Globo de Oro por Mejor Actor.

La proyección y posterior análisis del filme, se realizarán en el auditorio del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110, a partir de las 19:00.

HIROSHIMA, MI AMOR

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

Las sesiones de cine-debate continúan este 1 de diciembre con, “Hiroshima, mi amor”, de Alain Resnais, un filme que intenta reflexionar sobre la guerra y el papel de la memoria en la vida individual y social de la gente.

El director

Resnais, durante el rodaje de "Hiroshima, mi amor"

Alain Resnais (Francia, 1922 - 2014), fue una de las figuras más representativas e imprescindibles del cine francés, autor de películas fundamentales de la historia del cine como: “Noche y niebla” (1955); “Hiroshima, mi amor” (1959) y “El año pasado en Marienbad” (1961). Durante su carrera, Resnais trabajo en colaboración con muchos escritores importantes, entre ellos: Marguerite Duras, Alain Robbe-Grillet, Jorge Semprún, Jean Cayrol y Jean Gruault. En su prolífica carrera que duró 78 años, Resnais obtuvo, entre otros: 5 premios César (3 como mejor película y 2 como mejor director); 2 Osos de Plata de Berlín, 3 galardones en la Mostra de Venecia, 1 BAFTA y 1 premio especial del jurado de Cannes.

El filme

Alain Resnais y  Emmanuelle Riva

“Hiroshima, mi amor”, fue el primer largometraje dirigido por Alain Resnais, con guión de Marguerite Duras y las actuaciones de Emmanuelle Riva y Eiji Okada. La historia del filme se revela por etapas, conectando, el sexo y la muerte; la alegría y la desesperación; la sociedad y el individuo.

Rodada en blanco y negro, recurriendo al flashback y la voz en off, el filme cuenta la historia de una breve relación amorosa entre una actriz francesa y un arquitecto japonés, que tiene como escenario la Hiroshima de posguerra.

Fotograma del filme

La pareja dialoga, reconstruyendo su pasado.

En el filme el recuerdo no es un simple acto de evocación, sino la vía dolorosa para comprender cómo ciertas experiencias vividas y olvidadas, definen nuestros actos y personalidad. Además la memoria es presentada como una necesidad inevitable, para no dejar impunes las atrocidades que se cometen.

En el Festival de Cine de Cannes, “Hiroshima, mi amor”, se mantuvo fuera de la competencia principal, para evitar ofender a los EE.UU., debido a la postura pacifista del filme, como consuelo le fue otorgado, el Premio Internacional de la Crítica, de aquel año.

Como es habitual, la cita es en instalaciones del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110 esquina Heroínas, la función se inicia a las 19:00.

CHAPLIN

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

Este lunes 24 de noviembre la OCIC tiene en cartelera “Chaplin”, un filme biográfico sobre el cómico más importante de la historia del cine, dirigido por el británico Richard Attenborough y protagonizado por Robert Downey Jr.

El director

Richard Attenborough junto a Robert Downey Jr.

Richard Samuel Attenborough  (Inglaterra, 1923 - 2014) fue actor, productor y director de cine. En su carrera como actor interpretó 74 papeles, entre los que destacan: “Brighton Rock” (1947), un clásico del cine negro y “Cañones en Batasi” (1964), con el que obtuvo un premio BAFTA al mejor actor. Como cineasta realizó 12 películas, entre las que sobresalen: “Gandhi” (1982), con la que ganó 8 Oscar; “Grita libertad” (1987), que abordó el tema del Apartheid en Sudáfrica y “Chaplin” (1992), biografía del famoso cómico inglés.

El personaje

Charles Spencer Chaplin vivió 88 años, de ellos dedicó 54 al cine, realizando 81 películas, aportando al desarrollo del arte cinematográfico en el campo de la comedia.

Carlitos

Carlitos (El vagabundo) su inolvidable personaje, de grandes zapatones, bastón y sombrero hongo; el insumiso eterno, hermano del desvalido y enemigo del poderoso, nació en 1914 y fue puliéndose y evolucionando y terminó con la aparición del cine sonoro. 

Chaplin, con sus películas de sátira social, intentó reflejar los problemas importantes de su época, mostrando su postura humanista. Entre sus filmes destacan: “Armas al hombro” (1918), “El chico” (1921), “Luces de la ciudad” (1931), “Tiempos modernos” (1936), “El gran dictador” (1940) y “Un rey en Nueva York” (1957).

El filme

Charles Spencer Chaplin (1889-1977)

“Chaplin” se basa en 3 fuentes: la propia autobiografía de Charles Chaplin, el libro “Chaplin: Su vida y arte” de David Robinson y el argumento de Diana Hawkins. La película abarca, la vida sentimental de Chaplin, su pasión por el trabajo y sus problemas con los anticomunistas norteamericanos. Las conversaciones entre Chaplin, ya anciano y el editor de su biografía sirven para establecer las transiciones y guían al espectador por el relato. Las 2 horas y 23 minutos de duración del filme, apenas alcanzan para hacer un repaso superficial de algunos episodios de la vida de este importante artista.

La cita es en instalaciones del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110 esquina Heroínas, a partir de las 19:00.

FRIDA

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

“Yo no hubiera sabido -y creo que algún día lo sabrán todas las gentes-, a lo que puede llegar el heroísmo ante el dolor, la alegría a pesar del tormento, la ternura sin límite y el genio plástico en lo que tiene de más íntimo y directo, si no hubiera conocido a Frida Kahlo. Por eso es una de mis heroínas.” (Diego Rivera)

Frida Khalo, la pintora magnífica que no dependió de modas o membretes, la belleza torturada, la inválida que grita “¡Viva la vida!”, la amada de Diego, la amiga de Trotsky y Breton, la mujer invencible y frágil, la representación combativa en los murales de Rivera. Frida un ser coherente en su diversidad: artista de genio, militante de izquierda hasta el final, mujer de inmensa y agónica ternura. Ni víctima ni símbolo fácil ni mero complemento legendario del inmenso mural que es la vida de Diego, escribía sobre ella, hace algunos años, Carlos Monsiváis.

En la actualidad la figura de Frida Kahlo es un elemento de identidad de lo mexicano. Las feministas ven en la pintora un personaje que representa una posición de rebeldía frente a la dominación masculina, además, diversidad de grupos sociales como: gays, hippies, yuppies, personas con capacidades diferentes, coleccionistas, etc., han reconstruido y resignificado su imagen, convirtiéndola en algunos casos en un simple icono pop.

El año 2002 la norteamericana Julie Taymor dirige la película “Frida”, protagonizada por Salma Hayek y basada en el libro biográfico escrito por Hayden Herrera.

El filme se centra especialmente en narrar el romance apasionado que mantuvo durante veinticinco años Frida Kahlo con su esposo, el muralista Diego Rivera. Esto significa que otros aspectos fundamentales en el universo de Kahlo -sus ideales políticos, su sensibilidad social, su aporte como pintora, su relación con intelectuales- son abordados de manera superficial.

Salma Hayek productora y protagonista del filme aclara este punto diciendo: “Este largometraje, es una historia de amor y no una biografía y el objetivo de la cinta es mostrar cómo el dolor se transforma en arte”. La película fue premiada con 1 Globo de Oro y 2 Oscar de la academia de Hollywood.

La exhibición y posterior discusión sobre el filme se realizarán este lunes 17 de noviembre, en instalaciones de la OCIC, Baptista Nº 110, a partir de las 19:00.

BUSCANDO MI DESTINO

Daniel C. Peñaranda Pinto

Este lunes 10 de noviembre la OCIC exhibe “Buscando mi destino”, dirigida, escrita y protagonizada por Dennis Hopper, un filme sobre la contracultura de finales de los años 60 en Norteamérica, donde se fusionan cine y música rock.

El director

Dennis Hopper (EE. UU., 1936-2010), como actor ha protagonizado un total de 200 películas, destacando su participación en: “El amigo americano” (1977) de Wim Wenders, “Apocalypse now” (1979) de Francis Ford Coppola, y “Terciopelo azul” (1986), de David Lynch. Como pintor y fotógrafo, ha tenido cierto éxito, realizando importantes exposiciones en distintos países. Como cineasta ha realizado 9 películas, siendo su trabajo más importante, “Buscando mi destino” (1969).

La película

Dennis Hopper y Peter Fonda durante el rodaje del filme

Narrada de manera cronológica, con un tono casi documental, “Buscando mi destino”, cuenta la historia de dos jóvenes que liberados de toda obligación y con todo el tiempo a su disposición, viajan lejos del caos de la ciudad, en busca de nuevas experiencias. El filme reinventa el género western, los caballos son sustituidos por motos y los cowboys Billy (the kid) y Wyatt (el Capitán América), recorren su país, buscando “el sueño americano”.

La película refleja aspectos que en ese momento histórico afectaban particularmente a los jóvenes: el movimiento hippie, la guerra, el consumo de drogas. En el filme algunos símbolos norteamericanos son mostrados de forma reelaborada, para representar la desilusión de las nuevas generaciones. “Buscando mi destino”, intenta reflexionar sobre los valores estadounidenses tradicionales que se siguen a ciegas, mostrando a una sociedad prejuiciosa y violenta.

Durante el rodaje del filme

Rodada el año 1968, la película contó con la fotografía de Laszlo Kovacs y las actuaciones de Peter Fonda y Jack Nicholson. La banda sonora contiene música de varios artistas, entre ellos: Jimi Hendrix, The byrds, Steppenwolf, The band, además de algunas letras aportadas por Bob Dylan. “Buscando mi destino”, ganó el Premio a la Mejor Ópera Prima en el Festival de Cine de Cannes el año 1969 y estuvo nominada a dos Oscar, por Mejor Guion y Mejor Actor de Reparto.

La cita es en instalaciones del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110 esquina Heroínas, la función se inicia a las 19:00.

ZORBA EL GRIEGO

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

“Este obrero, Zorba, es el alma limpia del revolucionario: El que hace ver sin cesar el universo cada mañana por primera vez e infunde virginidad a los elementos eternos y cotidianos -el viento, el mar, el fuego, la mujer, el pan- una mano segura (…); cuando brotaba su risa, podía él derribar, y derribaba de hecho, todos los muros -moral, religión, patria- que el hombre, miserable y miedoso, ha erigido alrededor para caminar, cojeando, con seguridad, a lo largo de su pobre vida”. (Nikos Kazantzakis)

El cuarto ciclo de cine-debate de la OCIC continua este lunes 3 de noviembre con, “Zorba el griego”, un filme del año 1964, escrito y dirigido por Michael Cacoyannis, basado en la novela “La vida y aventuras de Alexis Zorba” (1946) de Nikos Kazantzakis, con la actuación de Anthony Quinn y la música de Mikis Theodorakis.

Michael Cacoyannis y Anthony Quinn

El director

Michael Cacoyannis  (1922 - 2011), fue uno de los más importantes cineastas griegos. Películas como: “Elektra” (1962), “Las troyanas” (1971) e “Ifigenia” (1977), basados en los textos clásicos de Eurípides, le permitieron alcanzar premios en los festivales más importantes del mundo.

La película

“Zorba el griego”, se desarrolla en un pueblo de costumbres primitivas y cuenta la historia de dos hombres distintos que construyen una gran amistad. Las personalidades de los protagonistas se contrastan a lo largo de todo el filme:

Basil y Zorba

Basil es un joven escritor inglés, conservador, que apenas expresa sus emociones y vive de una forma rígida y reprimida. Su antítesis Alexis Zorba, es un músico griego entrado en años, sencillo, espontáneo, franco y directo, que baila para “no volverse loco”. Basil encuentra en Zorba la inspiración para transformarse y romper con su ordinaria y rutinaria vida. Poco a poco se deja contagiar por la influencia de Zorba, entonces, enfrenta las dificultades de la vida otra manera y baila también.

Rodada íntegramente en la isla de Creta, “Zorba el griego” contó con la fotografía en blanco y negro de Walter Lassally y las actuaciones de: Alan Bates, Irene Papas, Lila Kedrova. El filme obtuvo 3 Oscar de la academia de Hollywood, el año 1964.

Como es habitual, la cita es en instalaciones del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110, a partir de las 19:00.

TRAPECIO

Por Daniel C. Peñaranda Pinto

Este lunes 27 de octubre la OCIC tiene en cartelera “Trapecio”, un filme del año 1956, dirigido por el cineasta británico Carol Reed y protagonizado por: Burt Lancaster, Tony Curtis y Gina Lollobrigida.

 Carol Reed, Tony Custis y Gina Lollobrigida

El director

Carol Reed (Inglaterra, 1906-1976), debuta como actor de teatro en 1924. Se inicia en el cine como ayudante de dirección a comienzos de los años 30. Durante la II Guerra Mundial realiza varios documentales, ganando un Oscar el año 1946 con, The true glory. Entre sus películas de ficción destacan: El ídolo caído (1948), El tercer hombre (1949), con la que obtiene el Gran Premio de Cine de Cannes, La agonía y el éxtasis (1965) y Oliver (1968), con la que obtiene 5 Oscar. De las 31 películas de Reed, 15 estuvieron basadas en novelas y 4 en obras de teatro.

El filme

“Trapecio” se basa en la novela, “The killing frost” (1950), del ingles Maxwell Jeffrey Catto y se desarrolla en un circo de París. Un filme sobre un proceso de enseñanza, interrumpido por el amor de una mujer, que enfrenta al maestro y al discípulo, formando un triángulo amoroso de unos trapecistas sin red.

Burt Lancaster, Gina Lollobrigida y Tony Curtis

Los actores que interpretaron los roles protagónicos de este filme, atravesaban momentos importantes en sus respectivas carreras: Burt Lancaster, venía de una nominación al Oscar, Tony Curtis, era la estrella juvenil del momento y Gina Lollobrigida, hacía su primera aparición en el cine de Hollywood, tras sus éxitos en Italia y Francia.

Rodado íntegramente en París, “Trapecio” es un drama circense, que obtuvo gran éxito en la taquilla. La película estuvo nominada al Oso de Oro y Burt Lancaster ganó el Oso de Plata al mejor actor, en el Festival de Cine de Berlín, el año 1956.

Sinopsis

Mike Ribble es un gran trapecista, su acto más importante es el triple salto mortal, pero se lesiona una pierna durante una actuación y queda fuera del espectáculo.

Fotograma del filme

De Norteamérica llega Tino Orsini con el fin de convencer a Mike de que le enseñe su arte y le permita realizar el peligroso salto. Entrenan rigurosamente para conseguir su objetivo, pero entre ellos se cruza la hermosa Lola, una mujer intrigante que aspira ser centro de atención del circo.

La proyección y posterior análisis del filme se realizarán en el auditorio del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110, a partir de las 19:00.