AMOR SIN BARRERAS

Por Daniel Peñaranda Pinto

Continúa el tercer ciclo de cine-debate con “Amor sin barreras” (USA, 1961), versión cinematográfica del aclamado musical de Broadway “West side story” (1957 ), que trata sobre las pandillas juveniles y el racismo en Norteamérica, a mediados de los años 50. La película estuvo codirigida por Robert Wise y Jerome Robbins, protagonizada por Natalie Wood, y galardonada con 10 Óscar, incluido Mejor Director y Mejor Película.

El director

Robert Wise (1914- 2005), fue un cineasta estadounidense que trabajó inicialmente como montajista de películas famosas, como “El jorobado de Notre Dame” (1939) y “Ciudadano Kane” (1941). En su labor como director realizó 40 filmes, caracterizándose por ir de un género a otro, con gran versatilidad. Entre sus obras destaca: “Sangre en la luna”, 1948 (western); “Ultimátum a la tierra”, 1951 (ciencia ficción); “Las ratas del desierto”, 1953 (bélico); “Marcado por el odio”, 1956 (drama); “¡Quiero vivir!”, 1958 (cine negro); “La casa encantada”, 1963 (terror); y “Sonrisas y lágrimas”, 1965 (musical).

La película

“Amor sin barreras” se sitúa en un barrio marginal de Nueva York y narra una historia de amor, que se desarrolla en un ambiente hostil.

El filme (igual que el musical), es una versión actualizada de la tragedia shakesperiana “Romeo y Julieta” (excepto el final), que incluye la lucha racial entre pandillas juveniles rivales: los recién llegados puertorriqueños (latinoamericanos) y los estadounidenses (descendientes de inmigrantes europeos), que compiten por el control de las calles.

El filme muestra la marginalidad de amplios sectores de la juventud migrante en las grandes ciudades y sus trágicas consecuencias.

Gran parte de la película es contada a través de la danza, que es utilizada como recurso narrativo. 

George Chakiris (actor) junto a Jerome Robbins (codirector y coreógrafo)

Jerome Robbins codirector de esta cinta, amplia este acápite diciendo: “Lo que resulta esencial en el filme no es alguna forma de evolución lógica o psicológica del drama, sino, el gran valor expresivo y emocional de las danzas y canciones dentro del encuadre cinematográfico”.

La exhibición y posterior discusión sobre el filme se realizará este lunes 18 de julio, en el auditorio del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110 esquina Heroínas, a partir de las 19:00, advirtiendo que debido a la larga duración de la película, se iniciará puntualmente.

NICOLÁS Y ALEJANDRA

Por Daniel Peñaranda Pinto

Este lunes 11 de julio, el Cine Club exhibe “Nicolás y Alejandra” (Inglaterra, 1971), drama histórico, sobre el último zar de Rusia, Nicolás II, dirigido por  Franklin J. Schaffner, y nominado a 6 Óscar de la Academia de Hollywood.

El director

Franklin James Schaffner (1920-1989), fue un cineasta norteamericano que alcanzó notoriedad, con adaptaciones de textos literarios para el cine, entre ellos: “El planeta de los simios” (1968), basado en la novela homónima de Pierre Boulle; “Nicolás y Alejandra” (1971), adaptación de la novela histórica de Robert K. Massie; “Papillon” (1973), basado en el relato autobiográfico de Henri Charrière; “La isla del adiós” (1977), sobre un relato corto de Ernest Hemingway; y “Los niños del Brasil” (1978), adaptación del best seller de Ira Levin.

El filme

“Nicolás y Alejandra” cuenta la decadencia, caída y exterminio de la dinastía Romanov. La película abarca el período de tiempo comprendido entre 1904, año del nacimiento del hijo de la pareja real, zarevich Alexei, y 1918, año en que son ejecutados, junto a sus hijos, por los bolcheviques en Ekaterimburgo.

La familia Romavov

El filme esta contado desde el punto de vista de la familia Romanov y hace un tratamiento simplista de la Revolución bolchevique y sus causas, mostrando al zar Nicolás II (apodado “El sanguinario”), como un ser muy humano y vulnerable: buen esposo y padre de familia, pero, carente de formación política, incompetente para gobernar el imperio, y fácilmente manipulado por su esposa.

La película se plantea en dos ámbitos: uno  íntimo, que se centra en la relación de la pareja real y el afecto de ellos por sus hijos; y otro histórico, que muestra el convulso contexto político y social de la Rusia zarista: Guerra ruso-japonesa (1904-1905), Revolución rusa de 1905 (que da paso a la Monarquía Constitucional), Primera Guerra Mundial (1914-1918); años de opresión y pobreza del pueblo ruso,

Los bolcheviques

 que culminarán con la Revolución de Octubre en 1917. Nicolás y Alejandra Romanov, incapaces de enfrentar la complejidad de aquel momento histórico, son rebasados por la transformación social.

Como es habitual, la cita es en instalaciones de la OCIC-SIGNIS, Baptista Nº 110 esquina Heroínas, a partir de las 19:00, aclarando que se iniciará en hora puntual, debido a la larga duración del filme.

UN REY EN NUEVA YORK

Por Daniel Peñaranda Pinto

El tercer ciclo de cine-debate inicia con “Un rey en Nueva York”, filme que hace una mirada satírica a ciertos aspectos de la sociedad y la política norteamericana; dirigido, escrito, producido, musicalizado y protagonizado por Charles Chaplin.

Contexto

Los problemas de Chaplin con el gobierno estadounidense se agravan luego del polémico estreno de “Monsieur Verdoux” (1947), momento en que el congresista John Rankin, exige la expulsión de Chaplin. Citado a declarar ante el Comisión de Actividades Antinorteamericanas (durante la denominada “cacería de brujas”), Chaplin envía un telegrama sarcástico y despectivo. 

Chaplin junto a su familia, expulsado de EE.UU. (septiembre 1952)

El 17 de septiembre 1952, se embarca con su familia desde Nueva York con destino a Southampton (Inglaterra). La Comisión al sentirse agraviada por Chaplin, a través del secretario de justicia, James F. McGranary, ordena a las autoridades de inmigración detener a aquel “personaje indeseable”, en cuanto regrese a Estados Unidos. En 1953, Chaplin establece su residencia a Corsier-sur, Vevey (Suiza). En mayo de 1954 Chaplin anuncia su intención de hacer la película “Un rey en Nueva York”. Entre mayo y julio de 1956 se realiza el rodaje. La película se estrena en Londres en septiembre de 1957, y debido a la censura, se estrena en Norteamérica recién en diciembre de 1973.

La película

“Un rey en Nueva York” es considerada por los expertos, la película más abiertamente personal de Chaplin. El filme es una sátira incisiva y aguda al macartismo (que lo echó de EE.UU.), y es una crítica a un sistema dominado por la banalidad comercial, con ciudadanos convertidos en consumidores, víctimas de la publicidad y el culto al dólar.

En “Un rey en Nueva York” Chaplin vuelve al tema de la metrópoli, con sus grandes colosos de hormigón, frente al enanismo endeble de sus habitantes, sin rostro. Al ser consultado sobre el tema de la película antes de su estreno, Chaplin respondió: “En ella he tratado de poner de relieve el contraste que existe en una gran ciudad, tanto en las calles como en los habitantes”.

La amarga sonrisa final del rey Shahdov de Estrovia -destronado por haber querido utilizar la energía nuclear con fines pacíficos- es en realidad el adiós definitivo de Chaplin al país de sus triunfos, al que diera los años más fructíferos de su vida.

La cita es este lunes 4 de julio, en instalaciones de la OCIC-SIGNIS, Baptista Nº 110 esquina Heroínas. La función inicia a las 19:00.

POR QUIÉN DOBLAN LAS CAMPANAS

Por Daniel Peñaranda Pinto

Cierra el segundo ciclo de cine-debate con la proyección de “Por quién doblan las campanas”, película sobre la Guerra Civil española, basada en la novela de Ernest Hemingway (1940), dirigida por Sam Wood, protagonizada por Gary Cooper e Ingrid Bergman y nominada a 9 Óscar.

Gary Cooper interpreta a Robert Jordan

El filme se sitúa en España y narra los hechos que suceden durante 3 días a mediados de 1937. Robert Jordan (profesor de literatura española en Montana) un solitario-solidario, es parte de las Brigadas Internacionales (extranjeros que participaron en la Guerra Civil española junto al ejército de la II República, defendiendo al gobierno elegido democráticamente en 1936). Las fuerzas de la República van a realizar un importante ataque y necesitan cortar la carretera, para evitar la contraofensiva de los fascistas. El dinamitero Robert Jordan (apodado “el inglés”), tiene la tarea de volar un puente. Para cumplir con su objetivo, el “inglés” entra en contacto con un grupo guerrillero, entre los que está María, de la cual se enamora.

“Por quién doblan las campanas” (USA, 1943), es una mezcla de distintos géneros cinematográficos: western, aventura, romance; destacando los primeros planos y el juego de sombras; con una ambientación llena de ruinas, árboles quemados y oscuridad.

El filme, al igual que la novela, hace una reflexión sobre la vida en circunstancias extremas (víspera de la muerte), donde lo importante es la lealtad y la solidaridad; por otro lado, en la película -a diferencia de la novela-, las referencias a la situación política española o los motivos que llevan al protagonista a luchar por la España republicana, son casi nulas.

Ingrid Bergman y Gary Cooper (escena del filme)

El director del filme, Sam Wood, aclara este punto diciendo: “El filme es una historia de amor, con el transfondo brutal  de la guerra”. En consecuencia, el conflicto español queda en un segundo plano para resaltar la relación amorosa entre los dos protagonistas. A pesar de lo antes dicho, el historiador Marcel Oms afirmó: “Durante treinta años ‘Por quién doblan las campanas’ habrá dado al mundo occidental prácticamente la única imagen popular de la guerra de España en el cine”.

Recién el año 1978 se estrena el filme en España, después de 3 años de la muerte del dictador Francisco Franco.

La cita es este lunes 27 de junio, en instalaciones de la OCIC-SIGNIS, Baptista Nº 110 esquina Heroínas, partir de las 19:00, aclarando que se iniciará en hora puntual, debido a la larga duración del filme.

ESCAPE EN TREN

Por Daniel Peñaranda Pinto

Continúa el segundo ciclo de cine-debate con “Escape en tren” (USA, 1985), filme dirigido por el cineasta ruso Andrei Konchalovsky y protagonizado por Jon Voight. La película ganó un Globo de Oro, recibió 3 nominaciones al Oscar y fue nominada a la Palma de Oro en Cannes, el año 1986.

Manny (Jon Voight) en su celda

“Escape en tren” trata sobre dos prisioneros que se fugan de una cárcel de máxima seguridad situada en Alaska. Los prófugos abordan un tren que ha quedado sin conductor al morir éste de un infarto; el tren toma gran velocidad sin control alguno, y además los persigue su carcelero.

El filme narra un viaje hacia la libertad, sin embargo, los protagonistas siempre están atrapados: primero dentro de la prisión, luego por el frío y la nieve, y finalmente dentro del tren. El destino de los personajes -incluido el tren- está en manos de la tecnología, que sin embargo no logra resolver el descontrol que existe.

A través de largos planos se muestra el invierno en una Alaska desolada y aunque la película fue rodada en color, 

resaltan el blanco y el negro: la nieve blanca, contrasta con árboles sombríos y rocas negras; y la imagen del tren negro, corriendo veloz por las vías bajo un cielo blanco-brillante.

“Escape en tren” combina elementos del cine asiático, ruso y Hollywood. El filme se basa en un guión original del japonés Akira Kurosawa, que sigue la fórmula de Dostoievski: preguntas filosóficas envueltas en una historia criminal.

Andrei Konchalovsky ( Moscú, 1937)

El cineasta ruso Andrei Konchalovsky, explica: “Se puede decir que ‘Escape en tren’ es una película de persecución, o que es una metáfora sobre nuestra civilización, pero básicamente se trata de una película de acción y aventura”.

Refiriéndose al simbolismo del tren, Konchalovsky afirma: “El tren puede ser visto como una prisión, porque no pueden salir de ella; o ser considerado como la libertad, ya que escaparon de la cárcel en él; o ser considerado como nuestra civilización corriendo fuera de control porque nadie puede detenerlo”. Konchalovsky concluye: “Mi película trata sobre qué es la libertad y sobre la relatividad del bien y del mal, cuestiones que resuenan en el cerebro humano en busca de respuestas, que aún no tenemos”.

La exhibición y posterior debate sobre el filme se realizará este lunes 20 de junio, en instalaciones del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110 esquina Heroínas, a partir de las 19:00.

AMADEUS

Por Daniel Peñaranda Pinto

El espacio de cine-debate exhibe “Amadeus” (USA, 1984), película dirigida por el cineasta checo Milos Forman, sobre los últimos 10 años de vida del compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart. El filme obtuvo 55 premios, entre ellos 8 Óscar incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guion Adaptado.

“Amadeus” está basado en la obra teatral del mismo nombre, del dramaturgo inglés y guionista del filme, Peter Shaffer. La película empieza en 1823, con el compositor Antonio Salieri envejecido (internado en un manicomio después de un intento de suicidio), ofreciendo su confesión a un sacerdote. Salieri narra las circunstancias de su relación de admiración y odio con Mozart (admiración por su obra y odio a la persona), desde la llegada de este a Viena en 1781, hasta su temprana muerte (34 años) en 1791.

La película muestra a Mozart como un joven irresponsable, mujeriego, despilfarrador, infantil y arrogante; pero, con un talento musical extraordinario, resaltando el contraste entre lo sublime de su música y su comportamiento vulgar y tosco. Por su parte, Salieri, tiene una posición importante como compositor oficial de la corte del Emperador José II de Austria. La llegada de Mozart a Viena, lo afecta negativamente: celos, envidia, mezclados con su impotencia por el gran talento de Mozart, llevan a Salieri a urdir un plan en contra del gran compositor.

Salieri y Mozart personifican dos conceptos opuestos del artista: Salieri representa la época pasada, el compositor que nunca va más allá del límite de los gustos aceptados. Mozart representa la imagen del artista innovador.

Las vicisitudes de la vida de Mozart se simbolizan con las estaciones del año. Cuando Mozart se encuentra en su mejor momento, es verano y el sol brilla constantemente. Cuando atraviesa dificultades económicas, es invierno y las calles están cubiertas de nieve.

La película incluye fragmentos de algunas óperas de Mozart: El rapto en el serrallo, Las bodas de Fígaro, Don Giovanni y La flauta mágica, que están estrechamente relacionadas con la trama del filme, funcionando como instrumentos de la rivalidad entre Mozart y Salieri.

La cita es este lunes 13 de junio, en instalaciones del Cine Club “Lunes de película”, Baptista Nº 110, a partir de las 19:00.

LA SOCIEDAD DE LOS POETAS MUERTOS

Por Daniel Peñaranda Pinto

Este lunes 6 de junio, el Cine Club exhibe “La sociedad de los poetas muertos” (USA, 1989), filme dirigido por Peter Weir, protagonizado por Robin Williams, ganador de 17 premios, incluyendo el Óscar al Mejor Guion Original y el Premio BAFTA a la Mejor Película.

“La sociedad de los poetas muertos” se desarrolla en Vermont (EE.UU.), en 1959, en la Academia Welton, institución que forma a estudiantes de acuerdo a ideales tradicionalistas e inflexibles, concretados en 4 pilares:  Honor, Disciplina, Tradición y Excelencia. Los jóvenes acuden a Welton para convertirse en lo que sus padres, a través de un severo sistema educativo, quieren que sean.

El maestro Keating (Robin Williams), leyendo poesía con sus alumnos

John Keating, el nuevo docente de literatura, con métodos de enseñanza e ideas que se apartan claramente de los moldes existentes en Welton, rompe las distancias jerárquicas entre profesor y alumno, animando a los estudiantes a rechazar la monotonía de lo establecido y a mirar las cosas desde otras perspectivas.

Keating revela a algunos de los alumnos que cuando él era estudiante en Welton, pertenecía a “La sociedad de los poetas muertos”, un grupo que se reunía secretamente en una cueva cercana a la academia, para celebrar la poesía y la vida. Los chicos crean un grupo similar al de su mentor y van encontrando sus propias sendas. En la cueva: son quienes quieren ser, no quienes están obligados a ser.

Un desliz y luego una tragedia, ponen en evidencia las actividades de “La sociedad de los poetas muertos”, por lo que el rígido director de la institución, decide investigar quien está quebrantando los pilares de Welton.

Basada en las vivencias del guionista Tom Schulman y llena de referencias poéticas a Walt Whitman, Henry David Thoreau, Vachel Lindsay, Shakespeare, Robert Frost, Alfred Tennyson y Lord Byron, “La sociedad de los poetas muertos” narra la historia de una escuela de élite, tradicional y represiva, en la que la llegada de un nuevo profesor, conmociona las estructuras de la institución, provocando un cambio transformador en un grupo de adolescentes, gracias al poder subversivo de la poesía.

Como es habitual la cita es en instalaciones de la OCIC-SIGNIS, Baptista Nº 110 esquina Heroínas. La función inicia a las 19:00.